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受访者简介

宋东桓，AI内容社区StoryStorm（故事接龙）发起人，编剧、策展人，AI艺术创作专家，曾参与打造“冷湖AI拉力赛”等多个科幻AI主题赛事节展，参与创作“可灵AI导演共创计划”作品中的《百鬼勿扰》等。

采访时间：2025年8月27日

AIGC（人工智能生成内容）已深刻重塑科幻创作生态，为广大创作者将科幻想象落地注入了全新动力。为深入探究AIGC在科幻创作领域的实践路径与深远影响，中国科幻研究中心聚焦前沿探索与实战经验，启动行业深度调研访谈计划。

本期访谈特邀StoryStorm发起人宋东桓，他围绕AIGC与科幻创作的碰撞交融，带来了兼具实操价值与前瞻意义的精彩分享。

（图片来源：宋东桓提供）

采访者：您创建的StoryStorm一直致力于搭建AIGC创作社区，并多次组织训练营和工作坊。能否分享您创办StoryStorm的初心和愿景？在推动AI赋能科幻创作这条路上，您最希望实现的是什么？

宋：科幻本就是我的兴趣，不过故事接龙不局限于科幻。之前在影剧公司，我们每年收成百上千份IP需求，却要在几天内从几百本书里筛选适合开发的项目，而一本书做成电视剧快也要两三年。过程中存在问题太多，比如平台、导演意见不一，演员没档期、制片人需协调，哪怕剧本大纲阶段都认可，后续剧本也可能出问题，演员还会要求改角色。返工是常事，我们经历过很多次。所以我们想找办法简化IP开发，核心是让文本高效转化成剧集或电影——我总觉得这事该更简单。最开始我用3D数字人做漫画，2023年3月做的逐帧转制测试，效果好且成本低，但这些类似三渲二的方式，只是高维信息向低维的准确投影。2023年8月之后，AI视频开始出现低维向高维信息转化的方式，真正做到了“无中生有”。曾经我们混合制作中稀缺的3D资产，如今也可以轻松获得。这使我意识到，AI技术加持下，我们将迎来一轮数百倍规模的内容爆发，而在这个爆发的前夜，我们故事接龙StoryStorm的任务就是需要找到全国最优秀的新一代创作者。

就像胶片时代的优秀导演到了数字时代会“水土不服”——那批导演到数字时代面对数字技术、做DIT（数字影像Technician）时很难适应，就算只写剧本，流程变了，老经验也用不上。现在AI来了也一样，传统导演面对AI大多不知道从哪里下手。新导演来源五花八门，青年导演，学生，爱好者等等，但最好是30岁上下的。尤其像科幻影视创作，如果是传统制作流程，难度大，成本高，他们只有知道这行过去的成本、收益，才会花心思深耕；要是连三维制作软件MAYA、3DMax等都没接触过，就会觉得这事太简单，反而没那么大热情。所以我们每年办近百次活动，就是为了聚集这批人。

采访者：您既是创作者，也参与赛事和孵化。从社区和赛事的视角来看，您认为当前国内AIGC科幻创作者生态最大的优势是什么？

宋：当前国内AIGC科幻创作者生态，在两方面有很关键的优势。一是媒体端的接受度高，不“拧巴”，愿意主动传播相关内容，这对创作者的作品曝光、生态氛围培育特别重要。二是技术端的支持足够扎实。如果在其他国家做AIGC创作，想找免费给积分的工具很难，基本只能充钱。但在国内，我们能直接对接工具公司提需求，甚至跟他们的产品、运营负责人沟通。对方也愿意根据反馈调整优化。现在全球头部的AIGC视频模型工具里，大半都在国内——可灵、即梦、通义、Vidu、海螺、拍我、天幕等等这些都是自有模型；国外主要就是Luma、Runway、Veo3、Sora2、Higgsfield这几个，再加上以色列的LTXAI。

还有个很实际的优势是创作门槛的降低。以前一个人做内容，得把美术、声音设计、录音这些技能学遍。现在不用了——优秀美术师、录音师的专业能力能转化成小模型，创作者不用深耕单一技能，只要会组合这些“工具”就行，就像插花艺人，现在花材随手可得，“组合能力”反而成了天赋的核心体现，这对AIGC创作者来说，无疑是很大的助力。

冷湖AI短片拉力赛（图片来源：AI Top100官网）

采访者：能否简要介绍一下冷湖AI短剧拉力赛从作品征集、改编、评审到展映的完整流程？

宋：冷湖AI短剧拉力赛的核心逻辑，其实我们会先从发行端需求倒推内容方向——平台需要“深度内容”，得是90分钟以上的长剧情，不然缺乏传播深度，这也是我们在流程中会重点考量的标准。目前赛事在内容广度上已有基础，例如，今年年初我们与快手合作推出的短片，不仅吸引了12家媒体参与传播，还登上了央视频的“AI盛典”、央视新闻的“AI奇妙夜”等重要栏目。这充分说明，AI在国内媒体领域已经占据了优质的传播资源位。国内对AIGC的接受度很高，政策、渠道都没有阻碍，顶多要求标注“AI制作”。但目前行业没有破圈的关键，还是缺乏批量的深度内容，要是能有1000部90分钟以上的AIGC科幻长片，肯定能出爆款。

采访者：冷湖AI短剧拉力赛等赛事，在版权授权和收益分配方面，StoryStorm是如何保障原作者与改编者权益的？

宋：说到版权授权和收益分配，我们的核心原则是跟创作者分成，不仅覆盖AIGC短片作者，也尝试过和科幻小说作者合作，不过小说作者合作这块经验不足，比如冷湖项目里的部分小说内容，最后也只停留在沟通发行环节。在收益分配上，我们能明确保证的是，短片创作者能拿到制作侧的大部分收益，具体金额会根据平台和发行方式调整，比如是否有中间商服务费等，会存在一定的差异。至于后续的内部流程，各家合作模式不同，没有统一标准，也就没法详细展开。

采访者：您作为多项AIGC赛事的评委，您会重点关注什么？

宋：评审的公允性不是靠个人决定的，每位评审都是“因子”，只代表个人的喜好。真要实现公平，得靠多位评委、创作者共同搭建评审框架，我们也有一套完整的评委培训办法来保障专业性。

从我的个人评审标准来看，首先最看重的是“不一样”——创作者得有自己主导的项目，我只认可那种有独特“个人风格”的导演，就像电影圈里的“作者电影”，一看就能知道是谁的作品。这种“个人风格”恰恰是AI最难模仿的，每个优秀导演的风格都截然不同，作品里的氛围感也特别突出，这是我评判的核心维度。

其次，作品得有“标志性”——哪怕没有一句台词，也能传递出情绪，让观众产生共鸣，甚至带来超出预期的感受，就像变了个小魔术似的，能在短时间内抓住人的注意力。而最高要求还是回归“个人风格”，导演得清楚自己在创作什么，想法上要有鲜明特点，哪怕风格怪一点也没关系，关键是能让人记住。

另外，我还会看创作者的积累——得看过足够多的作品，才能明确自己和别人的差异在哪。这就像写论文需要引用文献做对比，我们也是在帮创作者通过横向对比找到自己的定位。说到底，我们的评审更像“艺术家培训班”的选拔逻辑，看重的是创作者的长期发展潜力，甚至会让他们思考一个问题：两百年后回头看，为什么还需要你的作品？如果答不上来，那作品的长远价值就有限。

至于叙事完整性、世界观一致性这些，在我看来都是创作基本功，就算作品在这些维度上有小缺陷，后续也能弥补，但前提是这位创作者本身具备“会讲故事”的潜力。

采访者：作为超级创作者，您参与了与俞白眉导演合作的AI项目《百鬼勿扰》。在这个项目中，您承担了哪些具体的创作或技术工作？相比传统影视制作，您觉得AI介入在哪些环节带来的变化最明显？

宋：在与俞白眉导演合作的《百鬼勿扰》项目中，我们核心是用AIGC技术重构动画制作链路，解决传统重视觉特效作品的成本痛点——传统流程中，单个人物角色制作成本至少几万块，后续人物动作、运动元素等的制作都要花钱，渲染也很耗时间。

现在我们改用低模（低精细度的模型）做资产，成本降到几千块且能反复用，渲染环节我们用AI图像生成工具Stable Diffusion，转风格一秒就能完成，既解决了传统转风格相似度不足的问题，又能进一步降低成本。整个流程能控制四个关键节点，成本大幅缩减：原来几千万甚至上亿的动画，未来成本可能下探到几十万至几百万。当时和导演合作的核心目标是还原分镜，最终能实现95%的还原度，这样就达成了我们的阶段性目标。

 
 
百鬼勿扰项目幕后照片（从上到下依次为分镜头手稿、低模资产、AI渲染效果） （图片来源：宋东桓提供）

采访者：AI技术赋能科幻，您认为哪个环节最现实且具潜力？

宋：在科幻IP的变现链条里，单纯的哲学概念、故事本身其实不赚钱，观众真正愿意买单的是“文旅体验”——比如IMAX巨幕带来的画面震撼，大家花八十、一百多块钱买票，买的是这种沉浸式体验，而非故事内容本身。如果想在变现上有所突破，关键得靠新体验，比如LBE（Location-Based Entertainment空间沉浸式娱乐）、4DGS（动态3D高斯泼溅技术升级版）这类技术带来的场景——六十多度视角的虚拟或实景体验，就像去环球影城，观众花钱买的是“在场感”。打个比方，“变形金刚”的内容要是知道一个月后能在平板上看，很多人不会花45块买电影票；但环球影城的“变形金刚”主题体验，哪怕价格高，还是有很多人愿意带孩子去，就是因为它提供了独一无二的体验。

而且技术能为这种体验增加新预期，核心在于“预期管理”——得先让观众有期待，体验后还能超出预期，才会认可。现在传统影院的体验已经饱和了，大家看得太多，想实现超预期，只能靠VR这类新技术。在我们之前的节展经验中，只有VR体验项目永远在排队，不管什么年纪的人都愿意体验VR。

所以综合来看，“文旅体验”既可行又有潜力，市面上也有很多成功案例，关键就是用AI等新技术打造新体验，突破观众的固有预期，这才是科幻IP变现的核心方向。

采访者：未来2至5年内，您认为新兴AI技术会给科幻影视创作带来哪些变革？

宋：未来2至5年，我认为科幻影视创作会围绕“虚拟与实拍的深度结合”展开，核心是让技术更普惠，让更多有科幻构想的创作者能落地作品。

从当前技术发展趋势看，虚拟制片会逐渐摆脱高成本依赖，走向轻量化——比如拍摄人物与虚拟科幻场景（像星际舱、未来都市背景）的融合画面，不用再依赖复杂的专业影棚，一个基础绿棚加一部手机就能满足需求，哪怕手机XR制作下来，绿棚边缘不够精细，也能通过AI的后续技术优化达到可用效果。而且移动设备的技术潜力会进一步释放，拍摄素材能直接在手机上完成初步处理，现在已有相关的测试案例能实现这类轻量化制作，未来会更普及。

过去做虚拟制片，需要额外对拍摄设备进行位置定位，操作复杂；但随着手机自带激光雷达等功能的普及，扫一圈就能精准获取拍摄空间的尺寸、高度数据，不用再做额外定位，手机可以自动输出位姿数据（FreeD），纯绿幕拍摄就能为后续合成打下基础。加上AI抠图精度的提升，能满足科幻场景对细节的要求；甚至光线调节也不用再追求现场精准布光，后期通过Wan Animate等模型AI转风格就能弥补光线差异，角色设计也可简化——比如科幻片中的机甲、未来服饰，用Blender这类工具做基础固定造型，就能适配中小体量的创作需求，不用再投入大量精力做高精细度建模。

具体流程上，未来会更依赖数据化协同：比如我们现在把摄影机的位置、角度、变焦等8个自由度数据导入Blender这类工具，这样哪怕只拍10秒素材，只要掌握相机运动轨迹，就能在后期复现拍摄过程，再将实拍场景与虚拟科幻元素（如外星生物、科技道具）合成。像手机拍摄的低模素材可用于前期定位，高模资产则在软件中处理，手持拍摄就能完成，哪怕是大范围的科幻场景调度（比如群体机甲行动、星际追逐戏的镜头切换），用“手机+基础绿棚”的组合也能实现，大幅降低成本。

从素材利用来看，“素材生产解放”会是重要方向：过去虚拟制片需要手动采集、制作大量场景素材，现在借助技术，像多年前拍摄的实景素材（比如旧厂区、自然地貌），都能通过技术转化为3D科幻素材（比如改造成后启示录废墟、外星地表）重复利用；加上AI生成3D模型工具（如3D生成应用Luma这类）的普及，还有李飞飞WorldLab新模型，如今已经可以单图生成完整3D椭球体场景，这些素材也还会进一步转化为AR效果，比如让观众通过AR看到立体化的科幻场景，丰富科幻内容的呈现形式。整体来看，未来这些技术会持续降低科幻影视创作的技术门槛，让成本更可控，也让更多创作者能参与到科幻内容的创作中。

 

采访手记

宋东桓老师的分享虽然主要围绕技术展开，却处处藏着对科幻创作的实际助力。他聊及AIGC技术落地时提到，用手机即可实现虚拟制片，能将传统科幻影视中几十万元的资产成本压缩至几千元——这些看似面向全行业的技术探索，实则精准解决了科幻创作长期面临的“高门槛”痛点。对于许多怀揣科幻想法的创作者而言，“难以呈现星际场景”“无力制作机甲动作”曾是难以跨越的障碍，而AI带来的技术普惠，正为这些创作者打通“从想象到落地”的关键路径。

谈及创作者生态时，宋老师反复强调要挖掘有“个人风格”、能沉淀长期价值的导演，还致力于让社区创作者能赚到钱，这恰是科幻创作所需的重要支撑：科幻作品需要创作者耐心打磨世界观与角色，也需要创造能让创作者安心投入的环境。包括他探索的“文旅体验+科幻”路径，也在为科幻IP寻找可落地的变现方向。

采访者介绍：张子瑞，中国科幻研究中心起航学者

拟刊发于《世界科幻动态》2025年第2期。

文章仅代表作者观点，供读者参考。